jueves, 25 de mayo de 2017

Georg Scholz

Nu couché

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Scholz nació en Wolfenbüttel y se  formó en la Academia de Karlsruhe, donde sus maestros fueron Hans Thoma y Wilhelm Trübner. Posteriormente estudió en Berlín bajo la dirección de Lovis Corinth. Después del servicio militar en la Primera Guerra Mundial que duró de 1915 a 1918, reasumió la pintura, trabajando en un estilo que funde ideas cubistas y futuristas.
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En 1919 Scholz se convirtió en miembro del Partido Comunista de Alemania, y su trabajo de los años siguientes años es muy crítico con el orden social y económico en la Alemania de la posguerra.  


Sus agricultores industriales de 1920 es una pintura al óleo con collage que representa a un agricultor que agarra la Biblia mientras el  dinero brota de su frente, sentado junto a su esposa monstruosa que mece  un cochinillo. Su hijo subhumano, con la cabeza abierta en la parte superior para demostrar que está vacía, está torturando una rana. Tal vez el trabajo más conocido de Scholz, es el típico de las pinturas que produjo a principios de la década de 1920, combinando una ejecución muy controlada y nítida con un sarcasmo corrosivo.


Scholz rápidamente se convirtió en uno de los líderes de la Nueva Objetividad, un grupo de artistas que practicaban una forma cínica de realismo. Los más famosos de este grupo son Max Beckmann, George Grosz y Otto Dix, y el trabajo de Scholz compitió brevemente con el suyo por la ferocidad del ataque. En 1925, sin embargo, su enfoque se había ablandado y se acercó  al neoclasicismo, como se ve en el autorretrato frente a una columna publicitaria de 1926 y el desnudo asentado con busto de yeso de 1927.


 
Nombrado profesor en la Academia Estatal de Arte de Baden en Karlsruhe en 1925.  Scholz comenzó a colaborar, en 1926, con  la revista satírica Simplicissimus , y en 1928 visitó París donde apreció especialmente la obra de Bonnard.


Con el ascenso al poder de Hitler y los nacionalsocialistas en 1933, Scholz fue rápidamente despedido de su posición docente. Declarado Artista Degenerado, sus obras fueron una de las que fueron confiscadas  en 1937 como parte de una campaña de los nazis para "purificar" la cultura alemana y se le prohibió pintar en 1939. En 1945, las fuerzas de ocupación francesas nombraron a Scholz alcalde de Waldkirch, Pero murió ese mismo año, en Waldkirch.


domingo, 21 de mayo de 2017

MARIA IZQUIERDO



María Cenobia Izquierdo Gutiérrez nació en San Juan de los Lagos, Jalisco, el 30 octubre de 1902, y después de cursar sus estudios, su obra consistió en pinturas de la corriente surrealista que marcó época por el arte impreso donde presentaba naturalezas muertas, retratos y paisajes mexicanos, con el uso de colores intensos que vino a abonar a la imagen social, y con ello ayudó a configurar el rostro de este país, lo cual también se le reconoció en el extranjero, en donde una mujer expuso por primera vez: es allá donde se encuentra la mayor parte de sus pinturas.

En 1927 ingresó a la Academia de San Carlos en donde estudió durante un año. En ella tuvo a algunos maestros como Germán Gedovius y a Manuel Toussaint, aunque cabe mencionar que la influencia más profunda la obtuvo de Rufino Tamayo. Se le reconoce por ser la primera mujer mexicana en exponer sus obras fuera de este país, en 1930. Su primera exposición tuvo lugar en el Art Center de Nueva York.

En el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México había una galería de arte atendida por Carlos Mérida y Carlos Orozco Romero, en la que se llevó a cabo la primera exposición de María Izquierdo, la cual fue muy comentada por las publicaciones de la época. La introducción al catálogo fue escrita por Diego Rivera, quien era ya director de la Escuela Nacional de Bellas Artes. En ese texto plasmó el gran desarrollo que había tenido la joven pintora, a la cual definió como una de las personalidades más atrayentes del panorama artístico y uno de los mejores elementos de la academia, considerándola “un valor seguro; seguro y concreto”.

La crítica de arte Raquel Tibol, en su ensayo El muralismo de María Izquierdo, acto fallido, publicado en la revista Proceso en 1979, señaló que: “Lo más relevante de su obra es aquella teñida de sueño y enigmas, donde los objetos y las partes son ordenados para perder relación con la realidad y ganarla con la metáfora. Ahí está ese delicioso Paisaje de 1935, donde una cebra observa filosóficamente el movimiento de un tronco en el río, un dirigible en el cielo y un barco en el mar; todos se alejan en la misma dirección, mientras el animal aparece tan plantado en tierra como la torre de petróleo que tiene a su izquierda. Las perspectivas fugadas con postes de luz, troncos o muros enigmáticos, planteadas para acentuar la incongruencia con las composiciones en primer plano, como en Naturaleza muerta con pescado (1946), enriquecieron el capítulo del surrealismo en México, el cual abundó en caracteres nacionalistas y popularistas, poniendo con frecuencia (María Izquierdo lo hace) acentos de humor sin retorcimientos, aunque entrañablemente poético”.


jueves, 11 de mayo de 2017

Georg Schrimpf



1889  Munich – 1938  Berlin.
 Pintor alemán y artista gráfico. Con Otto Dix, George Grosz y Christian Schad fueron los principales representantes del grupo conocido como  Nueva objetividad, que desarrollaron en la década de  1920 un movimiento entre el expresionismo y la abstracción.  Schrimpf fue considerado como productor de arte degenerado por el gobierno nazi de la década de 1930

Schrimpf nació en Munich. Su padre ya había muerto antes de su nacimiento y su padrastro lo echó de casa. En 1902 trabajó como aprendiz de panadero en Passau. Desde  1905 hasta 1914 viajó por Belgica, Francia, Suiza  y el norte de Italia, trabajando como camarero, panadero y carbonero. En 1913 vivió en una colonia anarquista en Suiza donde se hizo amigo de Oskar Maria Graf, tambien panadero pero que se convertiría en un famoso novelista.


 Cuando estalló la Primera Guerra Mundial como era anti militarista hizo todo lo posible para evitar el servicio militar pero en el empeño perjudicó mucho su salud. Desde 1915 hasta 1918 vivió en Berlín, donde comenzó a pintar y a hacer escultura en madera. Como artista autodidacta fue aprendiendo copiando de antiguos maestros
En 1916 el famoso publicista y experto en arte Herwarth Walden 
 expuso alguno de sus cuadros y esculturas en su galería y la obra gustó al público. En esta galería  Schrimpf conoció a la pintora  Maria Uhden.  Se casaron en 1917 pero al año siguiente ella murió

En 1925 Schrimpf partició en la exposición  Neue Sachlichkeit en Mannheim Kunsthalle. Dos años despues empezó a dar clases en
 Meisterschule fur Dekorationskunst en Munich. Al principio no fue perseguido por los nazis como muchos artistas de  la Nueva Objetividad porque su obra les pareció  aceptable. Fue nombrado profesor de la Academia de Arte de Berlin en 1933, pero fue despedido en  1937 por su pasado "rojo", ya que había sido miembro de    Rote Hilfe, una organización socialista. Por esta razón  sus cuadros fueron eliminados de exposiciones públicas. 



 

martes, 9 de mayo de 2017

Carlos Schwabe




Carlos Schwabe (1866 – 1926) pintor e ilustrador simbolista suizo.  Nació en Altona, Holstein pero siendo muy joven se trasladó a Ginebra donde adquirió la nacionalidad suiza. Estudió en Ginebra y terminados sus estudios se fue a París donde se hizo amigo de los pintores simbolistas. Su obra se basa en temas mitológicos por lo que se considera un artista literario. Fue tambien un reputado ilustrador. Ilustró libros como Le reve (1892) de Emile Zola,  Les Fleurs du mal  de Charles Baudelaire (1900),  Pelleas et Melisande de Maurice Maeterlinck (1892), y Jardin de l'infante de Albert Samain(1908). Schwabe vivió en Francia el resto de su vida y murió en Avon, Seine et-Marne en 1926.
 Se pueden distinguir dos estilos diferentes en su arte. Antes de 1900, sus pinturas eran mas individuales y experimentales, indicando el idealismo de los simboistas. Escenas alegóricas más  convencionales se encuentran en su última época.
 Las imágenes de la mujer, a veces representando la muerte y el sufrimiento otras veces como guía de la creatividad, son muy importantes. Su primera mujer fue su modelos para angeles y vírgenes. La muerte de un amigo en 1894, cuando el tenía  28 años, fue el comienzo de su interés por la muerte.



viernes, 5 de mayo de 2017

ANXEL HUETE





Ángel Huete Vales nace en Orense en 1944. Comenzó a vivir el ambiente artístico desde la infancia, ya que su padre, un conocido periodista, era muy amigo de destacados plásticos ourensanos. El futuro pintor se relaciona desde muy joven con Jaime Quesada, José Luis de Dios, Acisclo Manzano, Virxilio, conterráneos y algo mayores que él.
En la década de los sesenta, tras residir algún tiempo en Vigo, se traslada a Barcelona, para asistir a los cursos de la Escuela Massana y seguir después la carrera de Bellas Artes en la Escuela de San Jorge. El camino definitivo lo hallará en la Escuela Superior de Bellas Artes (H. F. B. K.) de Berlín, donde entra en contacto con las vanguardias que orientan la obra del joven gallego hacia una abstracción sinóptica, de base geométrica, después de etapas iniciales en las que cultivó el pop-art y un expresionismo emparentable con las corrientes que universalizó Bacon.
Expone individualmente en 1966, en Vigo, y desde entonces sus muestras se han sucedido en ciudades de Galicia y de España, en Berlín, Río de Janeiro, Suiza. Más interesa aún es su participación en colectivas de importancia, desde 1970 en Berlín, pasando por numerosas ciudades de España, por Francia, Argentina, etc.
Figuró en las de «Atlántica» desde la inicial, ya que fue miembro fundador del grupo surgido en Baiona. Interesado por la investigación en la plástica, realiza los cursos de Doctorado en la Facultad de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca y se doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo. De esta última es profesor. Ha viajado por numerosos países y tiene obra no sólo en colecciones públicas y privadas, como museos de Galicia y centros institucionales, sino que también la tiene integrada en arquitectura. Tal el mural del centro de E. G. B. en Armenteira, la escultura al aire libre del polígono de La Grela, en La Coruña, y los murales en la alameda de Chapela, en Vigo, y el de la autovía Vigo-Pontevedra, en el llamado nudo de Isaac Peral. Ha ilustrado numerosos libros y publicaciones a partir de 1982 para escritores y editoriales de Galicia. Figura en los museos de Vigo, Pontevedra, A Coruña, León, Arte Contemporánea de Compostela, de grabado de Buenos Aires y de la Resistencia Salvador Allende.
La pintura representativa de Huete es por completo abstracta, con vagas y hasta nulas referencias formales, casi siempre de intención geométrica. Su paleta es muy sobria, de entonaciones ocres dominantes, aunque también están azules y amarillos. Llega a una total simplificación, sugiriendo el grafismo del diseño, especialidad que ha cultivado. Materia levísima, muy tendida sobre el soporte, con frecuencia papel, consigue texturas caprichosas, como de brochazo elemental. La mancha es amplia, despereocupada en apariencia y no obstante, muy meditada. Suele realizar series acerca de una misma concepción, con ligeras variantes de estructura y cromatismo. No hay en esta obra ninguna concesión a lo «bonito». Por el contrario, la meta del artista es una pintura «pobre», que precisa de la total atención del espectador para adentrarse en su complejo mundo sugerido.





jueves, 4 de mayo de 2017

Hans von Bartels



Hans von Bartels (Hamburgo, 25 de diciembre de 1856 - Múnich, 5 de octubre de 1913), fue un pintor alemán, hijo del Dr. N. F. F. von Bartels, un oficial del gobierno ruso. Estudió primero con el pintor de marinas R. Hardorif en Hamburgo, luego con C. Schweitzer en Düsseldorf y C. Oesterley, y finalmente en la Escuela de Arte de Berlín. Después de viajar ampliamente, en particular a Italia, se estableció en Múnich en 1885 y fue nombrado profesor de pintura en 1891.
Pintor al óleo de gran energía, es uno de los más destacados acuarelistas alemanes, principalmente de marinas y escenas de la vida de pesca, pintado con rudo vigor y una gran exhibición de habilidad técnica. Destaca en escenas de tormenta y en representar a los fuertes y sanos pescadores de las costas septentrionales. Se convirtió en miembro de honor de las sociedades artísticas más notables de Inglaterra, Alemania, Holanda, Bélgica y Austria. Fue ennoblecido por el rey de Baviera.


lunes, 1 de mayo de 2017

Zdzisław Beksiński



 1929-.2005
Zdzislaw Beksinski nació en Polonia en Sanok  en 1929. Despues de pasar la niñez durante la Segunda Guerra Mundial, fue a la universidad de Cracovia para estudiar arquitectura. Despues de acabar sus estudios pasó varios años como supervisor de obras, trabajo que odiaba, hasta que pudo introducirse en  el arte. En  1958 empezó a ganarse el beneplácito de la crítica. Se trasladó con su familia a Varsovia en 1977. Expuso por toda Europa pero el raramente asistía a las exposiciones.  Aunque era una persona muy tímida, era agradable y con gran sentido del humor.  En 1998 su esposa murió y al año siguiente su único hijo, Thomas, se suicidó.   Esta corriente trágica le afectó a él mismo, pues en 2005 fue brutalmente asesinado en su apartamento.

El decía que quería pintar de forma que parecieran sueños fotografiados, que estaba obsesionado con el proceso de la creación.  Ejecutaba su obra en un estilo que el denominaba "barroco o gotico". Las primeras son ejemplo de un realismo fantástico, imágenes perturbadoras en un entorno de pesadilla surrealista. El segundo estilo es más abstracto, dominado por la forma.  Su obra presenta espacios desolados y escalofriantes, como producto de un desastre apocalíptico.


viernes, 28 de abril de 2017

Huang Yongyu





 Nacido en 1924 en  Fenghuang, provincia de Hunan.  Nunca fue a una escuela de arte, es autodidacta. Estudió arte y literatura por si mismo. Quizás sea por eso que muestra una especial inicitativa y vitalidad sin atenerse a un patrón determinado.

Su tierra natal es su tema favorito. Fenghuang no es solo un lugar de una infancia feliz en su memoria, sino tambien el sitio que le proporciona inspiración artística. Nunca olvidó aquellos estrechos senderon empedrados de su ciudad, donde veía a los artesanos haciendo cometas y esculpiendo estatuas de Buda, donde disfrutó de la óperas folk, de las carreras y bailes de dragones y leones. Nunca olvidó aquellas maravillosas escenas.
 

En la década de 1950 se convirtió en  el profesor más joven de la Academia Central de Bellas Artes de Pekin. Eran los tiempos de la revolución cultural  y Huang fue uno de los artistas principales en grabado y tinta.


Durante los años 70, Huang Yongyu comenzó a alejarse del  grabado  y comenzó con sus tintas de flores, de paisajes y de pájaros.



 El búho y los pájaros que  son ahora pinturas icónicas, tienen un significado cultural complejo en China. A diferencia de la visión  de la lechuza como una figura de sabiduría en Occidente, tradicionalmente en China, la imagen de la lechuza estaba llena de connotaciones ominosas y vista como precursora de malas noticias.  Desde la década de 1950 hubo un esfuerzo oficial concertado para mejorar la imagen cultural de la lechuza. El final de los años 50 fue un período de hambruna generalizada en China, y muchos culpaban  a gorriones y roedores de la destrucción de cultivos.  A la gente se les dijo que que el buho era el enemigo natural de los roedores y que ayudarían. Se crearon publicaciones para niños y jóvenes con la lechuza como protagonista adorable, e incluso una película, para promover su imagen, y lo hicieron con éxito. Yongyu  fue un ilustrador de los libros para niños








miércoles, 26 de abril de 2017

Vladimir Iglesias Geraldo




Vladimir Iglesias Geraldo | nació en Matanzas en1964. Estudió pintura, escultura y dibujo en la Instituto Superior Pedagógico Enrique José Varona y se gradúa como Licenciado en Educación Plástica en 1990. Es artista independiente y miembro de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba.
La temática de obra es fundamentalmente el paisaje, visto desde sus diferentes entornos, como el marino, rural y urbano, todos ejecutados con una meticulosidad y un realismo casi fotográfico, en algunas obras se traslada a sitios de la ciudad Matanzas, en otras, muestran fragmentos de La Habana colonial y del Valle de Viñales. El bodegón es otro de los temas de las mpinturas de Vladimir, la mayoría de las veces fusionado con otros paisaje de fondo, logrando fuertes contrastes y con una iluminación intensa dejando entrever su pasión por el paisaje cubano.

martes, 25 de abril de 2017

Richard Diebenkorn





 1922 –  1993
Pintor singular, cuya obra es difícilmente clasificable dentro de una escuela concreta, Diebenkorn definió su pintura como "Ia tensión bajo la calma". En sus cuadros se cruzan el neoimpresionismo, el fauvismo, el realismo americano, la creación abstracta y la figurativa, pero sobre todo el entorno natural donde vivió la mayor parte de su vida: California.

Nacido en Portland, Oregón, el 22 de abril de 1922, su familia se trasladó a San Francisco cuando él sólo tenía dos años. Desde los 18 a los 21 años estudió en la Universidad de Stanford (Califórnia), y allí empezó a interesarse por la pintura, especialmente por la obra de Edward Hopper, del que se observa una fuerte influencia en su obra de principios de los años cuarenta.

En 1943, durante la II Guerra Mundial, se alistó en los marines. Su destino en la base de Quantico le dio la oportunidad de visitar la Phillips Collection en Washington y de conocer la obra de Bonnard, Picasso, Braque y, sobre todo, Matisse, una de las influencias más decisivas en su pintura.

Desde 1947 hasta 1950, Diebenkorn recibió las enseñanzas y la influencia de Mark Rothko y Clyfford Still, dos de los más destacados representantes del expresionismo abstracto en Estados Unidos, en la California School of Fine Arts. Sus trabajos dentro de esta línea fueron expuestos con gran éxito en 1948 en el California Palace de San Francisco.

Sin embargo, ante la sorpresa general, a mediados de los años cincuenta, Diebenkorn evoluciona hacia el arte figurativo, evolución no tan sorprendente, según el crítico de arte Michael Kimmelman, para el que sus trabajos figurativos eran realmente una extensión de sus abstracciones. En esta época introduce la figura humana en sus cuadros en obras como Girl on terrace (1956), Girl with cups (1957) o Man and woman in a large room (1957). En 1960 participa en la exposición organizada por el Museum of Modern Art de Nueva York sobre el tema Nuevas imágenes del hombre.


En 1966 se traslada a San Francisco para enseñar en la Universidad de California. Paralelamente, Diebenkorn vuelve de la figuración al arte abstracto, precisamente cuando el pop art ponía de moda el arte figurativo. Más de un centenar de cuadros, especialmente los de la serie Ocean Park, muestran el equilibrio, el control y el extraordinario lirismo de esta etapa.
Su espaldarazo internacional le llegaría en 1978, cuando, junto con Harry Callahan, representó a Estados Unidos en la 38a Bienal de Venecia.
La Whitechapel Art Gallery de Londres organizó una exposición retrospectiva de su obra, con una cuidada selección de medio centenar de telas, que viajó por Alemania, España -donde su obra sigue teniendo gran influencia- y California.

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